Wie bringen Sie als Verleger die künstlerischen Anforderungen mit der Realität des Marktes in Einklang?
Gegründet in Paris im Jahr 2009, DCW éditions hat sich als ein einzigartiges Lichthaus etabliert. Es ist mehr als ein Hersteller, es ist ein Schöpfer von fairen und zeitlosen Objekten, die für eine lange Lebensdauer konzipiert sind, weit weg von kurzlebigen Diktaten. Jede Leuchte wird zu einem täglichen Begleiter, einem Zeugen zwischen den Generationen, aber auch zu einem Überbringer von Geschichten. Das Haus schätzt die Erfindungsgabe der Designer und den kreativen Funken, der das Licht in Poesie, Verbindung und Geselligkeit verwandelt.
Exklusives Interview
Hinter den Kulissen dieses leuchtenden Abenteuers trafen wir Frédéric Winkler, einen der drei Gründer von DCW Editions und eine originelle Stimme des französischen Designs. Sein Blick als Verleger geht über die Funktion hinaus, um aus der Leuchte ein sensibles Objekt zu machen, das Emotionen und Phantasie vermittelt. An der Seite von Ema Pradène, seiner geliebten Keramikerin, pflegt er einen ehrlichen Ansatz, der von intimen Geschichten und dem Geist der Kindheit genährt wird.
Fred ist zwischen Paris, den Bergen und den marokkanischen Ufern verwurzelt und gestaltet ein Universum, in dem Kunst, Design und Natur einen fließenden Dialog führen. Jede Kreation entsteht aus einer Geschichte, jedes Objekt findet seinen Platz in einer Suche nach Authentizität und jede Zusammenarbeit ist ein menschliches Abenteuer. Indem er uns an seinem Alltag teilhaben lässt, öffnet er uns die Türen zu einer Welt, in der das Detail nie belanglos ist, sondern der lebendige Ausdruck einer aufmerksamen und poetischen Lebenskunst.
Wie inspiriert die Verwunderung der Kindheit Ihre Leuchten, die Sie als “Spielzeug für Erwachsene” bezeichnen?
Unsere Leuchten sind für mich wie Spielzeuge, wie das alte mechanische Spielzeug aus den 30er Jahren, das ich immer noch liebe. Ob sie nun von gestern oder heute sind, sie behalten ihre Wunderbarkeit dank der schönen Absicht, die sie hervorgebracht hat. Ich mag die Idee von Objekten, die vibrieren, ohne sich in der Zeit zu bewegen, und die eine geheime Verbindung zur Kindheit und zur Phantasie haben. Und ich hoffe, dass die Kreationen von DCW Editions wie die Spielzeuge von damals die Zeit überdauern und auch in 100 Jahren noch vorhanden sind.
Wie haben Ihre Kindheitserinnerungen diese leuchtenden “kleinen Welten” inspiriert?
Die Idee für die “Polly Pocket für Erwachsene” entstand aus einem Gespräch mit dem Designer Charles Kalpakian, der auch die Kollektion der Polly Pollpakaki-Kollektion entworfen hat.Wandleuchten Soul. Er sprach über die Atmosphäre der Straßen von Beirut in seiner Kindheit und ich dachte sofort an meine Töchter und die Mini-Welten, die ich ihnen schenkte. Ich war schon immer fasziniert von diesen “kleinen Welten” – von den Termitenhügeln bis hin zu den Geschichten von Kazuo Iwamura – in denen alles möglich zu sein scheint. Für mich sind unsere Häuser ähnlich: eigene Welten, magisch, fast imaginär. Letztendlich suche ich immer nach meiner Kindheit, die glücklicherweise wunderbar war.
“Unsere Leuchten sind für mich wie Spielzeug, wie dieses alte mechanische Spielzeug aus den 30er Jahren. [Ich war schon immer von diesen kleinen Welten fasziniert, in denen alles möglich zu sein scheint”.
Wie entstand Ihre Leidenschaft für Objekte?
Ich sage oft, dass ich ein Sammler bin – aber das ist eine Abkürzung. Alles begann als Kind, als mein Vater mich zum Stöbern auf die Flohmärkte in Lyon, auf Trödelmärkte und Auktionen mitnahm. Ich kaufte Kerzenständer, da ich bereits von der Magie der Kerzen gefesselt war. Meine Mutter zündete immer eine Kerze vor dem Abendlied an: ein Kindheitsritual, das sich in mein Gedächtnis gebrannt hat. In den 70er Jahren hatte ich sogar meine “Luxuskerze”: eine Rigaud mit ihrem schwarz-weißen Zebra-Zylinder und ihrem grünen, tannenfarbenen Wachs. Ihr weihnachtlicher Duft kommt mir noch heute manchmal in den Sinn. Dann begann ich, mir selbst Lampen zu kaufen… und ich habe nie damit aufgehört.
Später verstand ich den Grund für diese Besessenheit: Neben der Erinnerung an meine Mutter gab es auch das Vergnügen, einen Raum zu verändern. Ich liebte es, mein Zimmer zu dekorieren, die Atmosphäre zu verändern, ohne alles umzukrempeln. Was ist einfacher als eine Leuchte, wenn das Objekt richtig ist? Das Auge bleibt daran hängen und das Licht macht alles: den Ton, die Stimmung, fast den Duft eines Raumes. Licht ist das, was wir teilen – wie der Duft von Toast oder Apfelkuchen am Sonntagmorgen.
Die Skandinavier haben es verstanden: schöne Lampen, das richtige Licht, nichts anderes. Ich bin stolz darauf, dass sie – und die Deutschen – unsere Entwürfe wegen ihrer hohen Ansprüche lieben. Und was ist mit Italien? Das Land der Leuchten! Es hat mich dazu gebracht, Verleger zu werden. Sie sind ausgezeichnet… aber heute denke ich, dass wir uns ziemlich gut machen.
“Was ist einfacher als eine Leuchte, wenn das Objekt stimmt? Das Auge bleibt daran hängen und das Licht macht alles: den Ton, die Stimmung, fast den Duft eines Raumes”.
Wie bringen Sie als Verleger die künstlerischen Anforderungen mit der Realität des Marktes in Einklang?
Man kann kein Verleger sein, ohne Geld zu verdienen. Wir hatten Glück, dass wir mit der Neuauflage der Lampe Gras beginnen konnten. Lampe Gras zu beginnen.. Wir taten dies mit einem Lachen, aber wir spielten mit der Ernsthaftigkeit von Kindern. Ohne es zu wissen, war es der richtige Zeitpunkt! Wie ein Buchverleger … Wer hätte wissen können, dass Harry Potter ein Erfolg werden würde? Das Buch sprach zu einem Verleger, der es ganz einfach mochte und dann sein Risiko kalkulierte. Das ist es, was das Verlagswesen ausmacht: Man mag es, man möchte es teilen und dann wägt man das Risiko ab.
Es ist mir schon passiert, dass ich auf ein Objekt gestoßen bin, das ich liebte, das ich aber nicht veröffentlichen konnte, weil es zu riskant war. Wir dürfen nicht vergessen, dass wir auch eine Verantwortung gegenüber denjenigen haben, die das Risiko mit uns eingehen: Ich denke dabei an Geschäfte, Internetseiten… Also passen wir auf und in diesem Moment können wir es uns leisten, Gedichtbände zu machen. Die ISP-Lampe ist so etwas wie ein Gedichtband. Glücklicherweise war sie von Anfang an beliebt. Bekannte Ästheten wie Architekten, Dekorateure, Regisseure … kauften die Lampe für sich selbst. Überall auf der Welt hatte sie diesen Erfolg. Ich spreche nicht von einem Erfolg wie das Buch von Harry Potter, sondern eher wie die Sammlung “Le parti pris des choses” von Francis Ponge.
Erzählen Sie uns von diesem Erfolg, der das Gleichgewicht zwischen seiner Geschichte des Designs und dem Empfang der Kunden illustriert?
Ilia Sergeevich Potemine hatte eine starke Überzeugung: “Je weiter wir fortschreiten, desto weniger werden wir unsere Hände benutzen können. An dem Tag, an dem wir unsere Hände nicht mehr benutzen, wird der Mensch unter den Affen zurückfallen”. Die Idee war daher, eine Lampe zu entwickeln, die die manuelle Interaktion erzwingt, um die Geschicklichkeit und den Einsatz der Hände in einer zunehmend automatisierten Welt zu erhalten. Für denISP wird die Hand zum Schalter und Dimmer. Dimitri Lefoulon, ein Ingenieur aus der Zentralregierung, entwickelte mit Ilia ein System für den Innenbereich, das für eine Leuchte Science-Fiction-würdig ist! Ich mag das Musée des Arts et Métiers sehr. Vielleicht wird eines Tages ein zukünftiger Kurator darum bitten, die ISP zu integrieren. ISP-Lampe.
Viele Leuchten von DCW Editions sind in Ihrem Haus vorhanden. Warum?
Bevor wir ein Objekt veröffentlichen, leben wir eine Zeit lang mit seinem Prototypen. Dies ist eine Testphase, die für den Prozess unerlässlich ist, um die Richtigkeit des Objekts und des Lichts, der Temperatur, der Leistung usw. zu testen und zu überprüfen, ob das Stück dem Alltag standhält. Es ist vorgekommen, dass ich bestimmte Modelle aufgegeben habe, einfach weil sie nicht lange hielten oder weil ich sie nicht als vollendet empfand. Wie kann man das erklären? Das ist das Unerklärliche.
“Verlagswesen bedeutet: lieben, teilen wollen und dann das Risiko abschätzen, wie ein Buchverleger.”
Wie kultivieren Sie das Gleichgewicht zwischen Überraschung und Zeitlosigkeit?
Unsere Kreationen bei DCW Editions zeichnen sich durch ihre Originalität aus, ohne jedoch jemals zu provozieren. Ich mag die Idee, dass wir Wellen erzeugen, anstatt nur mitzulaufen. Was wir machen, ist immer twistartig, aber es bleibt klassisch: es ist überraschend, aber nicht schockierend. Im Gegensatz zu einigen Designern, die ich bewundere, versuchen wir nicht, zu schockieren, sondern vielmehr einen anderen Blickwinkel zu bieten, eine subtile Poesie. Einige Stücke spiegeln dieses Streben wider. Die Niwaki-Lampe von Brichet und Zieglerinspiriert von japanischen Bäumen, die zu Wolken geschnitten wurden, scheint mir ein bemerkenswertes Objekt zu sein, das trotz seines diskreten Erfolgs ein zukünftiges Museumsobjekt werden wird. Die Knokke-Lampe von Eric Dormael verwandelt einen Wald aus städtischen Straßenlaternen in ein poetisches Objekt, während die tragbare Lampe von Jean-Louis Fréchin ist von der Idee inspiriert, einen Sonnenstrahl einzufangen. Die Entstehung der Kollektionen ist nie kalkuliert: Sie entsteht aus Begegnungen und Momenten. Wie der Traum, mit meinem Freund Bernard Paillard auf den Mond zu fliegen, der zu einer Serie von 15 Bildern wurde, die heute im Showroom von DCW éditions zu sehen ist.. Oder Davis Sakne, der die Fotos für diese Reportage gemacht hat und dessen einzigartiges Auge ich bewundere, das in der Lage ist, das zu erfassen, was andere nicht wahrnehmen: die Poesie der Farben, der Reflexionen und der Unschärfen. Er ist eine Art Sohn von Saul Leiter, dem großen amerikanischen Fotografen aus der Mitte des 20. Jahrhunderts, der die Poesie des Alltags in Farbe festhält – zwischen Erscheinungen, Spiegelungen und schwebenden Momenten.
Wie lernten Sie Ihre Geliebte Ema kennen?
Eine Freundin hatte ihr eine Einladung zur Maison & Objets gegeben, die sie nicht kannte. Ema entdeckte gerade die Leuchten von DCW Editions und beschuldigte mich ohne Umschweife, ich sei ein Kopierer von Gras-Lampen.und fand das absolut schändlich. Ich erklärte ihr, dass es sich in Wirklichkeit um Neuauflagen handelte, die unter einer speziellen Lizenz veröffentlicht wurden. Elegant und ungewöhnlich! Sie hatte etwas von einer Figur aus einem Zeichentrickfilm: ein großes Schaffell über die Schultern geworfen, ein typisches grünes Kleid von Dries Van Noten – ein Grün wie aus einem Kindermärchen – und riesige Holzschuhe, die mit Schaffell bedeckt waren. Nach diesem ersten farbenfrohen Austausch trafen wir uns wieder. Ema lud mich in ihr Atelier ein und ich kaufte ein erstes Stück, dann ein zweites, dann ein drittes… bis sich unsere Wege immer mehr vermischten.
Ema ist eine anerkannte Keramikerin. Ästhetisch gesehen könnte man sie mit Claude Champy vergleichen, aber mit einem weiblicheren Ansatz. Wir teilen übrigens eine gemeinsame Bewunderung für seine Arbeit und leben mit mehreren seiner Stücke. Wir lieben seine Reisen zwischen Raumschiffen und Meerespflanzen. Seine kraftvolle Arbeit, die den Zufall provoziert, ist voller Leben.
“Unsere Kreationen bei DCW Editions zeichnen sich durch ihre Originalität aus. Der Wunsch, einen anderen Blickwinkel anzubieten. Die Kollektionen entstehen aus Begegnungen und kreativen Momenten”.
Das Atelier von Ema liegt im Herzen ihres Hauses und ist ein natürlicher Teil des Universums, das sie gemeinsam gestalten. Als Lebens- und Schaffensgefährtin verkörpert sie eine aufmerksame Präsenz und eine ergänzende Energie. Ihr Werdegang ist eine bemerkenswerte Odyssee: fünfeinhalb Jahre lang reiste sie mit ihrem kleinen Sohn um die Welt, um die althergebrachten Fertigkeiten der Keramik zu entdecken. Ausgehend von einem ersten Eintauchen in Japan – wo sie lebte, die Sprache lernte und diese Kunst entdeckte – setzte sie ihre Ausbildung in Europa, Afrika und Asien fort. Ihre Reise endete dort, wo alles begonnen hatte, reich an gesammeltem Wissen und in der Lage, eine nunmehr beherrschte Geste zu verfeinern.
Sie haben eine fünfjährige Weltreise unternommen. Inwiefern hat diese Erfahrung und die Entdeckung der Keramik in Japan Ihren Werdegang geprägt?
Ich habe die Keramik in Japan kennengelernt, wo ich ihre tiefe Verbindung mit der Kochkunst entdeckte. Insbesondere das Geschirr hat mich durch die Art und Weise, wie es mit den Nahrungsmitteln in Dialog tritt, berührt. In Frankreich gilt Keramik heutzutage als kalt, zu mineralisch, ein seelenloses Medium. In Japan ist sie das Gegenteil, sie ist fleischlich, verkörpert… eine wesentliche Verbindung, die an die Natur in ihrem Zustand des Seins erinnert. Meine Weltreise wurde zu einer Suche: ich wollte starke und vielfältige Kulturen kennen lernen, Wissen sammeln, um nach und nach meine eigene künstlerische Sprache zu formen.
Welche Länder haben während dieser Initiationsreise Ihre Vision von Keramik besonders genährt und welche Kulturen haben einen unauslöschlichen Eindruck auf Ihre Arbeit hinterlassen?
Jedes Land, das ich durchquerte, hatte seine eigene Bedeutung. Von Persien und Ägypten bis zu den intensiven Blautönen Usbekistans hat jedes Land meinen Blick genährt. Der Iran war ein wichtiger Schritt: Ich liebe die vorislamische Kunst Irans, sie ist außergewöhnlich. Indien und Marokko brachten mir den Reichtum ihrer islamischen Traditionen, während Spanien und Italien mich über die alten Töpferdörfer wieder mit meiner “Ahnenkultur” verbanden. Schließlich beendete Japan diese fünfjährige Reise als eine Rückkehr zu den Wurzeln, wo ich meine Gesten vertiefen und verfeinern konnte.
Japan scheint eine grundlegende Inspirationsquelle für Sie zu sein, warum?
Meiner Meinung nach ist das Geschirr untrennbar mit dem verbunden, was darauf steht. Es steht in direkter Verbindung mit dem, was Sie essen. Jedes Gericht findet seinen eigenen Platz: Fisch in Keramiken, die an das Meer erinnern, Reis in Schalen, die an Felder und Flüsse erinnern, Tofu in Mustern, die von den Bergen inspiriert sind. Diese Übereinstimmung schafft eine echte Zeremonie, die einfach und doch sehr angenehm ist. Ich interpretiere es als eine typisch japanische und animistische Art, einer Natur zu danken, die sowohl großzügig als auch manchmal gewalttätig ist. “Eine Geste der Dankbarkeit, scheinbar unauffällig, aber zutiefst essentiell.
Hat dieser Ansatz dazu geführt, dass Sie mit Sterneköchen zusammenarbeiten? Wie läuft diese Zusammenarbeit ab?
Ich arbeite regelmäßig mit Küchenchefs zusammen, in einem Geist der gemeinsamen Kreation, in dem sich unsere Welten gegenseitig befruchten. Bei Hélène Darroze war die Leitlinie rund und sanft, als Echo auf ihr Restaurant. In Marseille nahmen die Kreationen für Alexandre Mazzia die Farben seines Universums an: das Blau des Meeres, das Gelb des Sandes, ein Hauch von Koralle. Meine Aufgabe ist es immer, mich an ihre Vision anzupassen: “Es ist ihr Restaurant, ihre eigene Welt”. Mein Signaturgrün, das ich ursprünglich wegen seiner prosaischen Einfachheit in Verbindung mit der Natur gewählt hatte, taucht jedoch oft in diesen Kooperationen auf und sorgt für viel Begeisterung.
Ihre ursprüngliche Ausbildung ist in der Kunstwelt ungewöhnlich. Erzählen Sie uns davon!
Bevor ich mich der Kunst widmete, hatte ich einen ganz anderen Weg eingeschlagen: Ich studierte Medizin. Sehr schnell wurde mir klar, dass ich das Leiden der Patienten nicht mehr ertragen konnte. Auf Anraten eines Professors, der in mir eine Künstlerin sah, setzte ich meine Doktorarbeit fort und studierte gleichzeitig Zeichnen als freie Kandidatin in Penninghen. Ich träumte davon, Malerin zu werden, aber Keramik war noch nicht auf meinem Weg.
Lässt Ihr kreativer Prozess bei der Keramikherstellung Raum für Unvorhergesehenes? Und welche Rolle spielt die Natur dabei?
Bei Keramik beginne ich nie mit einer vorbereitenden Zeichnung. Die Zeichnung und die Malerei gehören zur Malerei, aber bei der Keramik ist mein Prozess ganz anders: organischer, experimenteller. Ich lasse mich auf den Zufall ein und nehme dann die Kontrolle wieder auf, wenn mich das Ergebnis inspiriert. Die Natur ist eine Konstante, fast eine Lebensnotwendigkeit. Selbst in Paris muss ich von Grün umgeben sein. Das hängt zweifellos mit meiner Kindheit auf dem Land zusammen, in einem sehr japanischen Haus, das so konzipiert war, dass es sich in die Landschaft einfügt. Diese enge Beziehung zur Umwelt hat meine Arbeit schon immer genährt.
“In Japan hatte ich meine Offenbarung über die Keramik, als ich ihre tiefe Verbindung mit der Kochkunst entdeckte.”
Was ist die Verbindung zwischen Ihrem Zuhause und Ihrem Showroom?
Unsere Einrichtung ist eine Reise in die Vergangenheit, in der Hoffnung, dass wir morgen wieder aufatmen können! Ein Haus, das nach Freunden riecht. Ich habe die Filme von Claude Sautet so sehr geliebt…
Der Showroom beherbergt DCW éditions, seine kleine Schwester Dix heures Dix und Modelec Schalter. Er und n Ihr Haus haben gemeinsam, dass sie Orte der Begegnung sind. Der Kamin im Showroom ist da, weil es gut ist, morgens beim Kaffee zu flambieren und um 17 Uhr Kastanien zu rösten. Arbeit ist das Leben! Und im Leben muss man sich etwas Gutes tun, also…
Ich habe zu Beginn meiner Karriere bei Virgin gearbeitet. Es war eine Art zu leben, in der jeder sehr engagiert war und jeder sich entschieden hatte, in diesem Sektor zu arbeiten. Das hat mich nie verlassen! Die Zeiten haben sich natürlich geändert. Die Jüngeren von heute sind sehr streng, was die Anwesenheitszeit angeht. Sie teilen ihr Leben in verschiedene Aktivitäten auf: Kochen reimt sich auf Kletterwand, Yoga und Slackline-Kurse… Das ist auch gut so! Wichtig ist, dass man sein Leben nicht verliert, um es zu gewinnen! Nicht von mir, sondern von Alfred Capus.
Warum haben Sie den Showroom Bar Electrique genannt?
Im Erdgeschoss ist es wie ein Haus: wir leben mit unseren Leuchten, die Besucher auch. Für die Öffentlichkeit ist es jeden Tag der Woche geöffnet, es gibt einen Kamin, eine Kücheninsel, ein Spielzimmer mit einem Backgammon! Für Fachleute ist es 24 Stunden am Tag, 7 Tage die Woche mit einer Zugangskarte zugänglich und die Speisekammer ist immer bereit… Tomme de Savoie und alles, was dazu gehört! Dies ermöglicht es, das Objekt und sein Licht zu spüren. Wenn ein Architekt eine Lampe in ein Projekt einbaut, wenn Sie eine Lampe für sich selbst kaufen, behalten Sie sie lange! Vielleicht ein Leben lang, wenn der Gegenstand gut ist.Machen Sie keinen Fehler, wenn es für das Leben ist. . Und manchmal dreht sich das Leben und man kann sich weiterentwickeln. Wenn die Lampe gut ist, wird sie niemals auf dem Bürgersteig stehen und verlassen werden, weil sie nicht geliebt wird. Gegenstände sind Zeugen…
In der Bar Electrique erlebt man etwas, man durchläuft einen Moment, eine kleine Erfahrung für die Dauer…
Die Treppe in Ihrem Showroom ist ein spektakuläres architektonisches Element. Was ist ihre Geschichte und die Inspiration hinter ihrem Design?
Die Architektin Valérie Mazerat brachte mich auf die Idee: “Wir brauchen eine starke Treppe, ein architektonisches Wahrzeichen”. Sie hatte Recht. Auf ihre Empfehlung hin entwarf der ausgezeichnete Gipser Sébastien Mauriac dieses sarazenische Gewölbe, das zum Markenzeichen des Ortes wurde. Dank dieser Geste hat der Raum seinen Charakter und seinen Erfolg gefunden.
Warum definieren und formen Ihrer Meinung nach Leuchten eine Umgebung?
Das ist eine tiefe Überzeugung. Es sind die Gegenstände, die einem Ort seine Seele geben, denn sie sprechen von uns. Der totale Look ist langweilig. Wer nicht über sich selbst spricht, kann nur über andere sprechen. Und wenn er nur über andere spricht, weiß er dann überhaupt, wer er ist?
Ein Haus ist ein intimes Nest, ein Nest, in dem man “lebt”, Gäste empfängt, sich austauscht und zusammen wächst. Brauchen wir wirklich Gegenstände? Nicht wirklich, aber dennoch. Sicherlich glaube ich nicht an die neumodische Lampe, die man haben muss, um zu sein, und befürworte sie auch nicht. Aber Gegenstände erzählen unsere Geschichte.
Es gibt ein Gastwirtepaar oberhalb von Nizza in den Bergen. Ein tolles Gasthaus, es ist so gut! Alle oder fast alle Leuchten sind von DCW Editions. Also nicht zu hässlich!
Sie fragt mich: Gefällt es Ihnen?
– Ich liebe es.
– Aber mein Bild mit dem Hund Wolf…das sieht nicht so gut aus mit Ihren Leuchten.
– Woher stammt Ihr Bild?
– Es ist der meiner Großmutter. Ich habe das Gefühl, dass es mir Glück bringt.
– Dann hat Ihr Bild seinen Platz!
So, die Objekte sind geladen! Von ihrer Entstehung bis zu ihren Reisen durch Zeit und Raum sprechen sie über uns und mit uns.
Wer sind die Mitläufer-Liebhaber von DCW Editions? Sie sprechen oft von Architekten und Regisseuren, ohne sie zu erwähnen, warum?
Es ist kompliziert, über andere zu sprechen. Nur weil eine bekannte oder anerkannte Person eine Lampe gekauft hat, heißt das nicht, dass sie gut ist. Zunächst einmal muss sie für Sie selbst gut sein! Es ist wahr, dass oft Menschen, die mit den Augen sehen, wie Architekten, Dekorateure, Künstler und die Welt des Films, das schätzen, was man tut. Es ist schön, wenn der Stamm größer wird! Wie auch immer, das Schöne hat noch nie geschadet, ich bin mir sicher, es tut gut. Vielen Dank an alle Autoren, mit denen wir zusammenarbeiten. Und ein großes Dankeschön an Gaëlle Lauriot-Prévost und Dominique Perrault. Sie haben uns begleitet, als wir noch kein bekannter Verlag waren.
Fotografen
Davis Sakne
Clément Gérard
Baptiste Le Quiniou